#960 喜多直毅クアルテット〜”Winter In A Vision 2”リリース記念コンサート』
Naoki Kita Quartette: celebrating concert of the release “Winter In A Vision 2”

2017年7月1日伏谷佳代

2017年６月10日(土)東京・求道会館 Kyudo-Kaikan,Tokyo／June 10 (Sat), 2017

Reported by 伏谷佳代　Kayo Fushiya

音楽とヴァイオリン：喜多直毅　Naoki Kita (Music & Violin)
バンドネオン：北村聡　Satoshi Kitamura (Bandoneon)
ピアノ：三枝伸太郎　Shintaro Mieda (Piano)
コントラバス：田辺和弘　Kazuhiro Tanabe (Contrabass)

<プログラム/Programme>
1. 鉄条網のテーマ　Theme of Burbed-Wire
2. 燃える村　The Village in Flames
3. 疾走歌　Speeding Song
4. 峻嶺　Steep Peaks
5. 夏の星座　Summer Constellation

*アンコール/encore
残された空　Nothing Except the Sky

半年ぶりに喜多直毅クアルテットを聴く。この日はセカンド・アルバムの発売記念コンサートであり、直前まで敢行していた西日本ツアーの千秋楽も兼ねる。演奏スタイルは、ライヴ全体をひとつのドラマとして仕立てるメドレー形式の「一幕劇」。浄土真宗の教会堂として建造されたという壮麗な建築の会場、暗めのライティングも劇場的な効果をさらに高める。

初めて彼らの演奏に触れたときには、その疾走する拡張感やテンションの持続に意識が向いたものだが、今回はひとつのグループが成熟に到る行程をつぶさに体感した。スピードはそのままに、ディテールがよりリアルに迫る。何よりも「溜め」における粘着力と挑発性、重厚感が増した。小刻みのビートによる追い風と逆風との拮抗、そこに巻き上がる「やるせなさ」。感情の際(きわ)を掠め続けるヴァイオリンのテクスチュア、瞬間を凍結させる蛇腹の残響、刻々と変化するピアノの硬度、人声や肉体の鼓動へと音を換骨奪胎してゆくコントラバスの軌跡、など—–個々の感性が濃密なメロディと融け合い匂い立つ一方、ノイズと紙一重の高音の持続音やトンクラスターによる地割れが過酷な現実を突きつける。高い演奏力を要するスコアがもたらすストイシズム、それに練達し破ることでのみ拓けてくる突き抜けた自由、静謐なパノラマ。脱領域的な音楽だが、ふとした瞬間にふわりと舞うペーソスは、まさに日本人のDNAが呼応せずにはおれない原風景。超現実的でありながら強烈に懐かしい。あらゆるコントラストが一枚岩の狭間に蠢(うごめ)くドラマであり、そこに何を投影するかは、聴き手に限りなく開かれている。終演後の空気を満たした厳かな飽和は、呼び覚まされた無数の物語のひそやかな共鳴だろう。
(＊文中敬称略。6月11日記)

I hadn’t listened to the Naoki Kita Quartette for about six months, when I caught up with them on the day of a concert celebrating the release of their 2nd album, which was also the final night of their West Japan tour. The performance was a medley-style in which the whole live set was turned into a one-act play. The venue, a meeting place for the Buddhist True Pure Land sect, was a splendid landmark, and the dark atmospheric lighting only added to the theatrical feel of the evening.

The very first time I heard one of their performances, I was aware of a feeling of rushing expansion and continued tension, but at this concert, I physically and completely experienced the group’s progress and their journey to ripe maturity. The speed is maintained, yet the details are closer to the audience and more realistic. More than anything else, the viscosity of their tightly constrained rhythms, provoking of excitement, and profound depth have really multiplied, along with the struggle between the tailwind and headwind created by piecemeal beats and the ensuing swirling “desolation.” The violin texture forever skirting the edges of emotion; the droning reverberation of bandoneon’s bellows freezing the moment; the momentary changing of the piano’s solidity; and the locus of the double bass recasting sounds into human voices and bodily pulses —all these individual sensitivities blend together in dense melodies and release sublime fragrances. In contrast, the continuous sound of high notes lying at the edges of music and noise, and tone clusters cracking the ground thrust a harsh reality into the heart of the audience. Scores requiring high-level performance resulting in stoicism; only mastery and breaking through them can lead to absolute freedom; and a tranquil panorama. This is extra-territorial music, but the pathos gently fluttering in unexpected moments is certainly an archetypal image that the DNA of the Japanese cannot help but respond to. It may be hyper-realistic, but it is at the same time intensely nostalgic. It is a drama where all kinds of contrasts are maneuvering within the spaces of a monolith, and what to project on such a drama is infinitely open to the listener. The solemn and deep atmosphere at the end of the live performance left the auditorium filled with the imperceptible resonance of countless invoked stories.
(June 11, 2017 Kayo Fushiya)